Интервью с Никитой Клименко “Chronos”

Наша редакция заглянула в гости на студию Никиты Клименко, отличного музыканта и просто хорошего человека. Никита Клименко – композитор, звукорежиссёр, саунд-дизайнер.

Где ты родился, учился, куда поступал после школы?

Родился в Москве, в самом центре, 26 января 1986 года. Учился в нескольких школах, потом в экстернате на Ленинском проспекте, где за год закончил 10-11 класс. Долго думал куда поступать, в итоге выбрал МГУ, факультет культурологи. Там мы изучали на кафедре древних языков латынь и древнегреческий. На латыни до сих пор много аббревиатур и в биологии, и в музыке, и в фармацевтике, а вот древнегреческий как самодостаточный язык уже практически умер и используется только в древней поэзии. Но, тем не менее, первые два слова которые я выучил, были «Хронос» (Χρόνος), переводится как «время», «Тартарос» (Τάρταρος), что переводится как «ад». Закончив МГУ, я через некоторое время получил ещё одно образование в Школе Телевидения, учился на звукорежиссера. Ну а потом понял, что хочу обучать людей в этом направлении и открыл школу “StereoSchool”, где в индивидуальном порядке мы обучаем уже 7 лет.

Когда у тебя зародилось увлечение именно музыкой, с чего все начиналось?

Начиналось все с 80-ых годов. У папы были кассеты Deep Purple, Pink Floyd. И ещё такая синяя кассета, на которой было маркером написано «космическая музыка». Очень красивая музыка, в стиле немецкой школы Клауса Шульце, в стиле Жан-Мишеля Жарра, французской школы. Детство прошло на волне психоделического рока и вот таких первых электронных музыкальных композиций. В 90-ых годах мой старший брат Алексей занимался электронной музыкой, он входил в группу, ребята писали «breakbeat», «dream-trance»,«jungle»,  выступали на станции «106.8», колесили по городам, выпустили альбом. В 1997 году брат резко ушел в другую деятельность, стал привозить духовных учителей, занялся эзотерическим направлением, а я больше подался как раз в его первое увлечение. Познакомившись с его друзьями (мне было на тот момент лет 12, друзьям было за 20 и за 30), я открыл для себя психоделическую музыку, клубную музыку. Все начиналось с более понятных мотивов, а в 1999 меня познакомили с альбомом Astral Projection «Another World» и альбомом «Man with no name» – «Moment of Truth». Эти два альбома сыграли решающую роль в моей жизни, в выборе творческого пути, дальнейшего понимания звучания. Это была очень глубокая музыка, и в сознание она не сразу зашла, казалось, голова лопнет! Однако эти два альбома были заслушаны до дыр. Переслушивая альбомы сейчас, я понимаю, что они звучат уже простенько, не напряжно, но тогда это было расширением сознания, большим открытием. И в 1999 я стал экспериментировать с музыкальными программами, потихонечку формировать свое понимание того, как можно создавать музыку. Тогда эти программы были абсолютно примитивные, не было ни виртуальных синтезаторов, ни эффектов, можно было загружать только сэмплы. Короче особо серьёзных результатов из них невозможно было получить. В начале нулевых появились программы «ReBirth», «Reason», на которой и был написан первый альбом будущего проекта «Chronos».  До того, как проект вообще появился, у меня ещё был такой «трансовый» путь в 4 года. Мы работали в нескольких музыкальных проектах. «Secret Trick» – это был более глючный, «грибной» саунд, и ещё один проект был более «full on» саунд. В какой-то момент я понял, что транс – интересная музыка, но я её перерос, её вполне достаточно, нужно двигаться дальше, искать что-то новое. Тогда я вспомнил про альбом команды «Asura» в 2000 году, понял, что это очень интересная, необычная музыка и перспективное направление для дальнейшего движения. Поэтому в 2004 году я сделал первую композицию «Chronos» – Mandala. Она была все еще «трансовой», с прямым битом.  Решил, что первый альбом будет чем-то нечто средним между трансом и этническим, философским чиллаутом. В этом альбоме было использовано много сэмплов из фильма «Секретные материалы: Борьба за будущее». Это голоса, звуки, и определённые диалоги, которые вносили смысловую нагрузку. И в 2007 году, дописав этот альбом, понимаю, что по качеству он не очень дотягивает до тех кумиров, которых я слушал. Однако я разослал его на 100 лейблов во всему миру и получил ответ с двух лейблов, с одним из которых мы заключили контракт. Это был «Sunline Records», один из самых крупных «ambient-chillout» лейблов на данный момент. Тогда это ещё называлось «trip trance», нечто среднее между этникой и прямым битом. Было так много хороших отзывов, народу нравился альбом. Это позволило двинуться дальше, поверить в себя, ощутить желание творить и развиваться.

 Проект «Chronos» несёт в себе определённый посыл? Что в целом формировало такое видение музыки? 

Я творцов разделяю на два типа людей: одни творят своими руками, своим умом, вторые считают, что через них вселенная делится с миром своим посылом, видением. Творцы – как тонко настроенные антенны, которые перенимают энергию вселенной. Они являются инструментами на нашей планете в физическом обличье, чтобы нести поток вселенной и распространять его. Я больше принадлежу второму типу. Не я написал своими руками определённое произведение, это не мне принадлежит. Я лишь настроил свою антенну восприятия на определённый поток, я могу принимать волны, образы, идеи, реализовывать их в физическую оболочку в виде композиций. И соответственно делиться с миром, для того, чтобы люди чувствовали себя лучше, увереннее, для того, чтобы у них была надежда на завтрашний день, чтобы у них в душе зарождалось состояние гармонии, расслабления, чтобы они получали удовольствие. С точки зрения философского аспекта – время нематериальное явление. Невозможно увидеть, потрогать, пощупать, классифицировать, но оно очень сильно влияет на нашу жизнь, на наши решения, на то, как мы развиваемся, расширяемся. Поэтому время для меня такой глобальный поток, в нём можно универсально объединить много разных направлений, в том числе и космос, и мистику, и современные направления, эксперименты со стилями.  Время оно же какое? Оно и есть, и его нет. Бывают состояния, когда ты чувствуешь себя вне времени. Ты не следишь за этим, только созерцаешь, только “здесь и сейчас”. Когда не тревожит ничего из «вне», и ты можешь сосредоточиться на том, что происходит в моменте. В современном мире сделать это достаточно сложно, но можно с помощью медитации, йоги, танца, визуального ощущения природы, либо с помощью взаимодействия с конкретным человеком. «Chronos» – большой пласт для жизни, который в себя вмещает все остальные ячейки восприятия, все вокруг него. Люди время интерпретируют по-разному. Мы, как существа материальные, привязанные к физическому телу, очень сильно ограничиваем себя рамками, для нас важно, чтобы было начало пути, и чтобы был конец, 2 точки отсчёта. Если мы начинаем задумываться о бесконечности или о том, что вселенная расширяется, или о том, что мы реинкарнируем… Всё это у многих людей рождает страх. И творчество, как таковое, будь то музыка, то написание стихов, картин… Оно позволяет отойти от этой начальной и конечной точки, быть в моменте, испытать то самое “здесь и сейчас “. Практически каждая композиция «Chronos» – это реальная история из жизни, каждая композиция несёт в себе определённую ситуацию, либо путешествие по миру, либо взаимодействие с человеком, либо осознание. У песни есть история, сначала событие – потом музыка.

Твое отношение к буддизму? К практикам, которые позволяют постигать смыслы. Твоё понимание религии и Бога: он вне, внутри или являет собой какой-то опыт?

На данный момент я опробовал много разных духовных направлений. Скажем так: я хочу обращаться напрямую к солнцу без посредников. Когда я эту фразу произношу, окружающие воспринимают как язычество или атеизм. На самом деле «к солнцу без посредников» означает то, что ты можешь черпать из разных духовных направлений, из разных религий определённые квинтэссенции, которые именно для тебя подходят, гармонируют с твоим восприятием, мировоззрением. Поэтому ни к одной религии не привязан, хотя попробовал очень много всего начиная с христианства, с кришнаитами тусил, с буддистами, сайентологами… Сейчас  много новых направлений, например, есть Школа Единого Учения, основана больше на практике, чем на теоретической базе. Из симбиоза многих направлений можно получить самое лучшее в виде одного потока знания.

Сейчас даже начали объединять буддизм с квантовой физикой.

Это не удивительно! Наука возникла из наблюдений за природой и поэтому снова будет возвращена к природе в конечном итоге, к упрощению понимания. Из всех направлений для меня буддизм, наверное, самый интересный и адекватный, эти ребята никому ничего не навязывают. Дают возможность самому решать. И ты погружаешься на ту глубину, на которую хочешь. Духовное направление должно тебе помогать в реальной жизни, действовать гармонично и исходить из правильного состояния. Если ты заряжен позитивом, наполнен, ты можешь много дать, вдохновить, зарядить, а если ты раздражен, мало сил, то ничего ты не дашь. Ты можешь и забрать. Поэтому медитация, йога – они помогает тебя наполнить гармонией. Особенно йога! В наше время, когда мы много сидим, находимся в соц. сетях, даже вся современная музыка сейчас в интернете, всё целиком завязано на компьютере… Йога очень помогает восстанавливать физическое тело.

Кстати интересный момент. У людей обычно складывается определенный образ музыканта. Как он должен выглядеть, как он мыслит, как он ходит, как он танцует. Часто этот образ не совпадает с реальным человеком. Мне нравится разрушать миф, мол, если ты создаешь музыку, пробуждающую сознание, глубокую, космическую, значит ты тоже высокодуховный, занимаешься практиками. Иногда мы делаем клипы, поражающие людей, они явно не были к такому готовы. Мы как бы говорим: мы обычные люди, у которых обычные процессы, мы не лишены юмора и стараемся развиваться в разных направлениях.

Как ты видишь музыку чисто с технической точки зрения? 

Существуют четыре основных этапа создания композиции. Первый – подготовка: идея, заготовки, настройки звука, когда есть базовая тональность,  определяемся с темпом. Например, темп 60 –  кратный нашему сердцебиению, а темп 180 может вызвать аритмию, потому что не гармонирует ни с чем. Второй этап – аранжировка: конструируем по блокам как драматургически будет выстраиваться наша композиция. Когда творческая мысль выражена – подходим к творческой части, которой  уделяется огромное внимание. Это сведение, работа с каждым отдельным элементом. Собирается фундамент из ударных с басом, потом выстраиваются остальные элементы. Далее мы приступаем к мастерингу: работаем уже с готовой композицией. Мы делаем её более объемной, широкой, чтобы всё и везде звучало одинаково. Что касается инструментария –  в электронной музыке сейчас превалирует виртуальность, «indabox», когда синтезатор, микшер, все эффекты внутри компьютера. Сейчас не заморачиваются на живых инструментах, есть куча готовых сэмплов. С точки зрения коммерческого продакшена – мы, конечно, возьмем готовую конструкцию, но с точки зрения своего творчества – здорово, когда человек  в композицию приносит свою энергию, делает всё самостоятельно, а не просто собирает по готовым кусочкам. В этом плане я принадлежу к старой школе, у меня много синтезаторов, у каждого своя душа, свой темперамент, к каждому отношусь как к живому. Эти инструменты в отличие от мышки очень вдохновляют, чувствуешь себя скульптором. Есть французская компания, они делают такой маленький синтезатор, по принципу синтезаторов 60-ых годов. Всё, что ты сделал на нём  – невозможно сохранить. Можешь записать на компьютер и в лучшем случае сфотографировать. Потом можешь повторить один в один по фото. И вот слушаешь: блин, а звук и не тот! Потому что у этого синтезатора аналоговый путь, и в зависимости от погоды и давлении меняется его живой организм. Оп! Давление упало, начался дождь и он такой: «ууууу…» – загрустил, и ты с ним. Надо сделать перерыв и попить чай.

А каково процентное соотношение творческой части и технической?

Зависит от стиля музыки. Если делается саундтрек, то 70% – творческая сторона. Например, для «Интерстеллар» музыку писали в кафедральном соборе. Записали настоящий орган и камерный оркестр. Это 70%,  и 30% –  чтобы всё звучало на записи чисто, гармонично. А в электронной музыке, где-то 60 на 40, особенно в андерграунде электронной музыки. Не там, где композиция – чистая технология (trance,techno,house). Chillout, ambient, безусловно, дают намного больше пространства для творчества, потому что нет привязок к скорости, ритму, но всё равно уходит 30 % на техническую часть. Бывает даже 50-60 % уходит.

Чем ты больше всего гордишься на своём творческом пути?

Нет особой привязки к результату, радует процесс. Сам процесс – наркотик. Прошло 2-3 недели и, если не посидел в студии, не сводил, не поделал музыки, не поиграл на музыкальном инструменте, не прикоснулся к оборудованию, уже начинается ломка. Здесь работает фраза: «Если можешь не писать музыку – не пиши. Если можешь не писать картины – не пиши”. Как таковых вещей, которые можно поставить на пьедестал – их нет. Хотя в голову приходит один момент.… Этим летом был крупный фестиваль «Samsara» в Венгрии, самый крупный в мире chillout/psychedelic фест, собираются тысячи человек! Мы представляли русскую часть chillout, было всего 3 проекта. Это была большая честь, большая гордость, такая точка понимания, что мы доросли нести свои музыкальные мысли на мировом уровне. Второй момент: я фанател по музыке проекта Solar Fields, который является моим гуру, учителем. Я много чему научился, но не через общение, а через прослушивание. Затер до дыр все альбомы. Когда начали общаться  –  я тормозил, очень волновался, не мог связать двух слов! А в апреле, в Израиле, когда выступали вместе, было дружеское тепло в общении, все было легко и гладко. Я считаю это мое второе достижение. Ну и третье – когда выходил один из сборников Alter Records, кто-то делал на него обзор и туда попал мой трек и трек Asura, который был моим божеством, пока не приехал в гости ко мне в Бутово пожить и не попробовал маминых блинчиков. Тогда спустился на уровень человека. И вот в обзоре так получилось, что треку Asura поставили 4 с плюсом, а моему треку 5. Мне было очень приятно, хотя я стараюсь, конечно, так не сравнивать творчество, каждый движется в своем темпе. Каждый найдет свою нишу и своего слушателя.

 Какие задачи поставил на будущее?

Хотелось бы больше путешествовать по миру, смотреть на реакцию людей, аспекты культур, как они танцуют, общаются, делится с ними энергией. Наслаждаться красотой нашей планеты. Второе – хотелось бы реализовать планы на 5 альбомов, хотя 15 уже выпущено. Хочется в разных стилях выражаться. Альбом с Сашей (прим. OkoloSna) совместный готовим. Я дошел до этапа, когда уже не так интересно работать одному, интересно в связке, в паре, несколько человек, идти на компромиссы, делать музыку вместе, получать общие идеи и общий поток сознания, жертвовать чем-то своим ради мощного результата.

Насколько глубока связь названия композиции с его содержимым и с твоими внутренними переживаниями?

Все две сотни композиций, за 20 лет,  были записаны под сильным впечатлением от людей, событий, эмоций. Очень светлая, искренняя композиция «Planetarium» была написана после нашего первого выступления в Киевском планетарии. На самом деле это было моей детской мечтой, получается, я попал первый раз туда только на своем выступлении, уже взрослым. Под нашу музыку человек запускал огромные видеоряды на гигантский купол, было мощно! Если говорить о композиции проживания светлой боли или тяжелого состояния, есть композиция, которая называется «Лила», она рассказывает о том, что жизнь – игра, а мы только игроки. Мы можем встретиться на поле, побыть вместе и разойтись. Возможно, наши пути больше не пересекутся, а какой-то игрок может выйти из поля игры в любой момент и навсегда. Восприятие жизни как игры дает очень комфортное ощущение. Ты не относишься к ней серьёзно, а это плюс лет десять. На самом деле песня посвящена хорошему другу. Он жил со мной в поселке, работал в продуктовом магазине. Однажды он купался в ванной, споткнулся, упал, и его не спасли. Осталась жена и трое детей.  Меня настолько это поразило, насколько у Вселенной свои планы и свое видение, на то, как здесь всё должно происходить. Я сел и написал трек за 3 дня, не вылезая из дома. В процессе лились слезы, было очень тяжело.… После того как я закончил, появилось состояние будто всё это пережито, отпущено, и всё что я могу сделать – поддержать семью. Ещё одна композиция называется «Pain Feedback», как бы состояние отдачи, такой «хвост» от боли, такой «длииинный». Когда эта боль держит, очень медленно отпускает. У меня было такое состояние после тяжелых взаимоотношений. Когда ты так опустошен, просто сидишь и смотришь в одну точку. Проходит день, два, три, а ты всё сидишь. Потом понимаешь, что ты высох, нет сил, энергии. Думаешь, что нужно хотя бы вынести своё бренное тело на улицу, погулять. Вот ты выходишь, огромное озеро, лето, и ветерок такой легкий дует. И вот эти волны ветра все одинаковые, они создают такую «длииинную» волну, я представил свою боль в такой «длииинной» волне. И решил, что будет круто выразить это в «длииинной» композиции. Пришел в себя и начал что-то делать. Настоящее творчество – именно те события, которые ты переживаешь, те люди, которые приходят в жизнь, то, что они дают, что ТЫ сам можешь дать. Те путешествия, которые тебе доступны, через которые учишься, как быть лучше и познаешь себя: свои слабые и сильные стороны.



ЗАГЛЯНУТЬ В МАГАЗИН

Далее Post

Назад Post

Оставить комментарий

© 2017 Psyome.com | Загадочный портал